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香港藝術節2024以德國巴伐利亞國立歌劇院的歌劇製作《拿索斯島的亞莉安妮》開幕。這套李察．史特勞斯的作品本應在2020年在香港上演，卻因為疫情延至四年後才能帶給香港觀眾欣賞。不過從結果來看，這個等待是絕對值得的。
《拿索斯島的亞莉安妮》的故事相當獨特，正如文宣所說是一齣「戲中戲中戲」：上半部「序幕」講述一劇院的台前幕後人員正在為《拿索斯島的亞莉安妮》的演出作準備，然而老板卻要在演出後上演喜歌劇《輕佻的彩碧妮塔與四位情人》，此舉引起「作曲家」極度不滿，覺得有辱自己的高雅藝術作品。怎料老板後來又改變主意，要兩套作品同時上演，作曲家當然極力反對，直到他遇見飾演彩碧妮塔的演員後，改變了主意。下半部分「歌劇」就是這兩套截然不同的作品同時上演。
這個故事本身就是關於劇場，因此導演Robert Carsen藉此發揮，將平時在劇場發生，但觀眾看不到的一面放上舞台，例如排練——觀眾入場時，一眾舞蹈員在台上練舞，還有排舞指導，伴奏彈的是〈Edelweiss〉、〈I’ve Got Rhythm〉等大眾化的音樂，暗中配合歌劇「高雅vs庸俗」的主題。正式開場時，舞台經理會走到台前跟已經準備好的指揮「溝通」；開場後後台人員明目張膽地在舞台上轉景，據知那些真的是隨行舞台經理和後台工作人員，增加演出的「真實感」。除了舞台，Robert Carsen也活用其他空間，例如第一位出場的歌手「音樂指導」是從觀眾席行上台，貫徹排練的意念。
燈光藝術
更使人拍案叫絕是他對燈光的運用，演出開始後，劇院燈光完全沒調暗，好讓觀眾感覺他們看的不是演出，而是排練的延伸，燈光去到序幕中段才慢慢調暗，直至全黑，藉此模糊排練與演出的界線（儘管觀眾由始自終都知道這一切是表演）。直到後來老板再次出現（音樂用定音鼓強奏代表），場地再次亮燈，讓觀眾跟台上演員一樣感到表演被打斷。
不過真正的「燈光藝術」還是在舞台發生。那是序幕「作曲家」與彩碧妮塔單獨二人在台上互訴心聲，舞台上只在台前放一個射燈射向舞台後方，並無其它裝置，「作曲家」從台後一邊唱出心底話，一邊慢慢走到台前，投射在舞台後面的影子越來越巨大，將他內心越來越大的ego視覺化，彩碧妮塔演唱時亦用上同樣效果，雖然意念和設置很簡單，但效果有效突出，令人印象深刻，非常成功。
莊諧並重
《拿索斯島的亞莉安妮》
（©Kurtachio，由香港藝術節提供）
去到「歌劇」一段，Robert Carsen安排「作曲家」全程坐在舞台邊，「觀看」自己的作品（原故事中他已無戲份）。只見一開始彩碧妮塔倒在地上，四周有十多位衣著相同的舞蹈員，模仿彩碧妮塔的一舉一動，感覺像在看嚴肅的舞蹈劇場。但原來後方有四位「舞者」是男歌手扮的，他們不時現身插科打諢，充當「搞笑擔當」。不過最誇張惹笑的一段是扮演一眾彩碧妮塔追求者的舞者，他們赤裸上身，展露好身材來吸引彩碧妮塔，甚至像脫衣舞男脫下長褲（沒脫內褲），立即引起來哄堂大笑，有誰料到會有此一著？
歌劇最後回到嚴肅的氣氛，以彩碧妮塔和酒神相戀，二人高歌結束。有趣的是他們唱歌時，完全沒有燈光照在他們身上，觀眾只看到兩個黑影在台上，唯一有被燈光照著的是一直坐在台邊的「作曲家」。音樂還未完結，大幕已降下，當大幕升起時，台上空無一人，「作曲家」慢慢行到台中央，導演此調度明顯表示「作曲家」作為創作者，才是「centre of the stage」。甚至在謝幕時安排幕後人員上台鞠躬，接受觀眾掌聲。這些都顯出Robert Carsen對創作者和幕後人員的尊重。
一流音樂演出
《拿索斯島的亞莉安妮》
（©Kurtachio，由香港藝術節提供）
《拿索斯島的亞莉安妮》參演的歌手眾多，每位都是高手。反串飾演「作曲家」的女中音Tara Erraught雖然個子不高，但聲音很具爆發力，壓場感十足，可惜在低音區時，歌聲不太能傳到身處一樓的筆者耳中；飾演彩碧妮塔的女高音Brenda Rae上半部分常與「作曲家」對唱，聲量稍落下風，但花腔才是她的「殺手鐧」，唱得很動聽，而且相當輕鬆。不過奇怪的是，她最後一段花腔音樂，總是「勒住」似的，並沒有完全放出來；三女神的三重唱是合唱的典範，三人聲音相襯，聲量平均，叫人聽到很舒服，把小組合唱的美發揮到極致；至於男聲，每位都聲如洪鐘，而且除了飾演Brighella的男高音Liam Bonthrone，其它幾位彩碧妮塔的追求者的身型非常結實，胸肌、腹肌、背肌全都「應有盡有」，這幾個角色可不是唱得好便能勝任。
《拿索斯島的亞莉安妮》所需求的樂團規模不大，這次演出動用巴伐利亞國立管弦樂團不足四十人，難怪一開始有點聽不慣，畢竟以往在大劇院上演的歌劇，樂團規模都比這次大。然而聽下去，卻覺得音樂氣勢越來越磅礡，甚至有華格納音樂的氣勢，襯托到台上聲量澎湃的歌手，無疑是一流的演出。
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