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羅薩絲舞蹈團相隔20年再度回到香港藝術節，帶來《羅薩絲之舞》與《布雷爾》。《羅薩絲之舞》在1983年首演，作品僅用四位舞者、十一張凳子，在當年跳出超前的女性意識——《羅薩絲之舞》打破美國後現代舞蹈刻意忽略男女身份的傳統，只用女性舞蹈員完成作品，[1] 舞蹈語言亦非常「女性化」：撥頭髮、用手托住下巴、垂頭、奔跑、跌倒、轉圈等。在30多年後的今天，《羅薩絲之舞》仍不過時，重複的舞段仍為觀眾帶來無限的想像與延伸，女性舞者之間無言的疏離與親密，繼續打動當代觀眾的心靈。
演出由四位女性舞者出演，她們看上去身材與身高相仿，穿著簡單的灰色上衣與短裙，氣質慵懶隨意，符合作品「日常」的舞蹈語言——整隻舞都是由撥頭髮、用手托住下巴、垂頭、奔跑、跌倒、轉圈等動作不斷組合、演變而成。舞台設計同樣也極簡，拆掉鏡框舞台側翼的幕布、將後台的空間袒露，將燈光裝置完全外露放在舞台兩側，從一開始就彷彿昭告觀眾，接下來一個多小時所展現的舞蹈，不是精緻、標準的編排，而是來自生活的提煉。第一段先從地板動作開始，四位舞者一字排開躺在地上，重複着撥頭髮、托下巴、在地上打滾的基本動作，聆聽彼此的呼吸聲，形成不同節奏。到了段落中間，其中一位舞者到了台的正中，她自行轉換了動作的變奏，成為這一段的主角，舞台分割成兩個空間，產生既「相同」但又帶點「不同」的細微變化。
第一段結束後，女舞者在台上自然而言地穿鞋、搬凳、紮起頭髮、整理衣服，她們自行搬動不規則的凳子，跟其他舞台演出中要向觀眾隱藏換裝和換景過程不一樣，《羅薩絲之舞》從頭到尾都是生活化的、日常的。舞段與舞段之間的過程都毫無保留地展現，在富有秩序地舞蹈結構之中製造微妙距離——既是嚴謹的，卻又是隨意的，也似乎刻意與觀眾保持距離，時刻提醒觀眾作為「旁觀」的視角，令我們有空間去聯想，這些動作到底是甚麼符號？這些符號，又喚醒了我們哪種生活經驗？或者，它讓我們聯想到甚麼「主義」？在重複的動作中，產生了什麼新意？
第二段在椅子上的舞蹈，是《羅薩絲之舞》最經典的段落，四名舞者坐在椅子上重複上一段舞段的動作，她們隨著音樂的重拍撩頭髮、調整衣服，但是臉上露出認真、專注的神情，令這些原本被視為「誘惑」的舉動，變得個人化，她們是在調整自己，而非向他人獻媚。《羅薩絲之舞》彷彿在當時為女性的自主權正名，她們可以隨意擺弄自己的身體、可以順著自己舒服的感覺調整衣服，並非為取悅任何人。此外，休息作為日常的一部分，也可作為表演。偶爾會有一兩個舞者停下動作，若有所思地看向觀眾，或者躺在椅子上休息，在重複中帶來靜止，然後又回到集體當中。在此段，女性的柔美與力量相互交織，依舊女性化的動作與強烈的敲擊音樂，進一步形成對比，舞者的動作毫不拖泥帶水，每個動作的轉換之間都沒有多餘的呼吸或搖擺，加強了力量感。最後燈光、音樂和動作都在重拍中熄滅，昭顯了女性的俐落與颯爽。
第三與第四段均是以旋轉為主要的舞蹈動作，音樂方面加入單簧管、薩克管伴奏，增添層次。延續前兩段的風格，在段落中段會有其中一至兩位舞蹈員走到觀眾的面前，整理衣服、綁起頭髮，彷彿把觀眾當作審視自己的鏡子，不斷調整自己的儀容，試圖找到自己舒服的位置，然後再歸隊跳舞，個體與集體不斷融合、交叉、補位，但互不打擾，儘管有一位離開隊伍，舞段依然繼續，但也不阻止個體從集體中偶爾離開。「自我」、「舒服」、「尋找」、「調整」，是我在這幾個段落下來，感受到的關鍵意象。作為最後一段，第四段的舞者更大膽地探索整個舞台空間，四個人圍著整個舞台旋轉、自由自在地奔跑，動作也加大幅度，宛如進行一場打鬥，充滿了熱情、投入。到了第五部分的最後，四個舞者輪流回到台前排成一列，繼續重複《羅薩絲之舞》標誌性的動作。不同的是，在末段，女舞者之間終於有了直接的眼神交流和笑容，個體的特色最終消解，成為了真正的團體。
《羅薩絲之舞》經歷40年的打磨和巡演，從舞台設計完全放棄時髦的LED燈，堅持使用傳統舞台燈光、略顯簡陋的舞台佈景，再對比以往的演出片段可見，編舞和舞團都沒有作出明顯的大改動。隨著時代的變遷，探索女性意識和身體自主權的作品早已多不勝數，這一份「不變」，或許正是編舞對於舞段永不過時的自信。的確，在各式「主義」、「符號」大行其道和思潮湧現的今天，《羅薩絲之舞》繼續以其「簡單」、「日常」的舞蹈語言撼動人心，那些重複與靜止的瞬間，總有足夠豐富的空間，讓一代代的觀眾構想自己的故事。
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