在一切開始前，《叢林》已令人驚訝，舞台上沒有任何肉眼可見的佈景、沒有後台的劃分與遮擋，一個粗糙、廣闊、空蕩蕩的舞台空間席捲而來。此時浮現兩種猜測—— 第一，編舞對於自身作品的自信，他相信不依賴任何外在舞台效果，自己的作品也足夠吸引觀眾的全部注意力；第二，這是一個非常強調舞者肢體表達的作品，不需要道具或佈景營造意象。
表演由十一位舞者圍成一個大圓圈開始，他們緩慢地圍著圓圈行走，中途有一、兩個舞者走到圓圈的中間各自起舞，他們雖然同時間出來，但跳著不一樣的動作，其餘的舞者則繼續在圓圈的外圍行走。他們身處同一個空間、有同一樣的目的，不過展現的方法、舞動的姿態不一。每一位離開圓圈，走進圓心獨舞的舞蹈員身體質素都不一樣，在他們身上，可以看見不同的訓練痕跡、身體質感。有的舞者身姿修長，重心比較高，身軀流動、感情細膩，舞蹈時的姿勢更像現代芭蕾；亦有舞者肌肉爆發力強，在處理重拍音樂時，動作更強而有力，似是街舞出身。可見編舞金成用並沒有強行統一舞者的身體質感，反而讓他們發揮所長，編織豐富多元的視覺效果。「叢林」的廣義概念，無疑從這裡已經開始——每副身軀都有自己的美學與故事，舞蹈、音樂、燈光等一切都可以和諧共生，如生態多元的叢林般包容萬物。
同時，此部份奠定了整個作品的基調，同時展現編舞金成用獨創的「Process Init」理念。他不追求整齊劃一，以及讓舞蹈員成為「Processors」（處理者）。在創作時，他聆聽、觀察每位舞者的身體特質，在創作過程中鼓勵舞者一同編舞，希望保持每個人獨有的身體美學與特性。因此，在一小時的表演中，台上的十一位舞蹈員，雖然一同身處一個危機四伏、充滿原始與野性的叢林，可是在群體之中，他們依然能用各自的身體述說自己的身份與故事——有些人認為「叢林」中有大象、有人則扮演蛇，展現叢林中豐富的物種；有人認為叢林險惡，在當中奔跑逃生；有人認為叢林安寧、和平，如禪修一般在地上安坐⋯⋯配合作曲家原摩利彥整體空靈、神秘的音樂，營造個體與群體的張力與連結。
舞者用身體演繹「叢林」
（攝影：Eric Hong @ Moon 9 Image，照片由西九文化區管理局提供）
《叢林》最與別不同的是，關於「個體性」與「群體」的碰撞通過段落的轉換不斷出現，但是所有的雙人舞、三人舞都沒有身體接觸，僅僅是雙人、三人之間的互相觀察、感知，而不選擇直接的肢體交流。這種設計明顯是有意為之，彷彿「如何在一個喧囂的群體中，保持個體的獨特？」是編舞和舞蹈員不斷提出的命題，這種設計非常精妙，雙人舞、三人舞均容易被賦予「愛情」、「關係」的意義。一旦有雙人舞、三人舞的段落，「托舉」、「擁抱」好像必然會出現，令無論是同性或異性的肢體交流都容易被解讀為情感關係的「戲劇化表達」，若然在演出中出現，只會打破《叢林》想營造的個體性。
無可否認，個體的力量雖然能突出主體性、且觀賞性高，但依然不比群舞震撼。《叢林》在大部份時間都是幾個舞者在台上各自起舞，每位舞者能力高超，舞台畫面永遠讓人目不暇給——他們既是整體，也是個體。只是有時候，過多的行動在舞台上發生，會令觀眾視覺上略感疲勞，難以集中。同時，舞台燈光變化不多，無法完全發揮觀賞的「指示作用」。
群舞時長不多，分別在作品的開首、中段、結尾都有一段較長時間的群舞，作為演出結構的分割。演出的開首，當幾組舞者完成他們的獨舞段落後，回到圓圈的外圍，十一位舞者共同做著舉手、向前的動作，彷彿是一種原始的祭祀儀式。到了演出中段，十一位舞者在舞台中間集結，站成倒三角形的圖形，他們分享同樣的呼吸規律，共同跟隨音樂搖曳、擺動，層層起伏，重複的肢體律動與音樂，宛若描繪生命的循環規律——生生不息、周而復始。舞台由黯淡轉至綠色的燈光，從背後打上燈光，凸顯舞者的身體輪廓，此段表演風格由暗轉光，也讓人有從野蠻到文明、混亂到有序的聯想，感受到「豁然開朗」的心靈共振。演出最後，編舞採用群舞收束表演，十一人匍匐爬行，如植物的根，向著舞台中心延伸，又陸續站立，整齊地左右搖晃、停下，重複此動作直到最後。音樂都消失之時，只剩下舞者彼此的呼吸聲，宛若吹過叢林的微風，他們有些站立，有些蹲坐，似自然界高低不一的樹，既保留個體的存在，又共同望著同一方向，以群體的姿態作結。
演出以朝著共同方向遠望的群體作結
（攝影：Eric Hong @ Moon 9 Image，照片由西九文化區管理局提供）
「每個人都有自己的叢林」，編舞金成用在座談會如是說。無論台前幕後，《叢林》確實成功地建構了一次包容、和諧的集體創作。傳統的舞蹈或許向來要求嚴苛——群舞往往講求絕對的整齊劃一、在某些舞種的領域裡，舞蹈員身材必須一致、身體質感統一，雖然視覺效果舒適，但某程度上犧牲了舞蹈員自身特點，也讓一些人失去了起舞的自由。在《叢林》中，金成用使用的「Process Init」，讓當代舞回歸「人性」、「自然」、「原始」，從個人走向共建，舞蹈不再是編舞者單方面的動作排列，而是藝術家之間，公平又美麗的交流。
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