今年的香港藝術節帶來了很多值得讓人引頸以待的節目，其中包括聲、色、藝俱全的《三毛錢歌劇》。如果說藝術節另一重頭節目《崔斯坦與依索爾德》是十九世紀歌劇史上最重要的作品之一的話，《三毛錢歌劇》必定是二十世紀音樂劇場的一個重要里程碑。從華格納到布萊希特，音樂劇場在舞台上的探索不斷，為的不只在於尋求劇場空間的可能性；同時也在於喚醒觀眾，劇場並不只是娛樂。
這次演出由布萊希特創辦的柏林劇團製作，有美國著名的前衛舞台導演羅伯特．威爾遜（Robert Wilson）助陣，演出陣容不容置疑。三小時的演出歌舞連場，由於劇中多首作品已是家喻戶曉的名曲，觀眾很多會跟著和唱，有如一場歡樂的嘉年華。既然故事、音樂都經已耳熟能詳，導演明顯在表現手法上花了較多的功夫。舞台設計簡約是意料中事，線條與光線的對比豐富了整個舞台空間，黑白色雖為舞台設計的主調，但效果卻是變化多端，是一場很豐富的視覺盛宴。演員的造型也絕不馬虎，再配合演員非常格式化的演出，觀眾有如在看一齣舞台劇版的添布頓（Tim Burton）電影。
演員格式化的演出可說是布萊希特著名的疏離效果（alienation effect）表現手法之一，導演在此再多加一層︰音響效果。幾乎每位演出都有各自的特定動作，在現場音樂以外，每當做起動作時，便會配以特別音響效果。第一次出現，也是最令人開懷的，就是一位新乞丐把金錢上繳到皮丘姆，然後皮丘姆把錢幣放進褲袋中。這些特定動作和音效無疑能夠在刻劃角色上起作用，把角色變得更誇張更不真實，但在長達三個小時的演出內重覆數遍，未免變成了過份形式化的表演，不單失去了原本誇張失實的本質，更讓觀眾感到了無新意。
《三毛錢歌劇》演了接近九十年，絕對是套歷久不衰的作品。整套作品最深刻的地方在於它毫不留情地諷刺資本主義的虛假面，還有為了讓觀眾有批判思考的疏離效果。但庫爾特．魏爾（Kurt Weill）的音樂恐怕已比莫札特更要深入民心，再加上導演刻意把敘述（narration）的元素淡化，只用一把聲音輕輕交代（場刊把「A Voice」翻譯為「說書人」，筆者認為翻譯略有不當），角色也未見有深刻的自我陌生化的表現，作品變成了一套接近純粹為娛樂的製作，在場觀眾大都快樂地離開，算是過了一個愉快的晚上。
搬演經典並不是容易的事，在保留原作韻味之時，或許也需要考慮作品在此時此刻的意義，畢竟劇場不同電影，劇場是實時實地的藝術。究竟我們只樂於從「經典劇目」中抽取經典來看，還是願意更深入去認識經典？我相信這是製作人和觀眾均需要做的思考功課。像這次進場看布萊希特，我們是否如布萊希特批評從亞里士多德一路承傳下來的觀戲文化︰「睜著眼睛，在瞪著，卻沒有看見；在聽著，卻並沒有聽見」？
（原載於2011年4月《藝訊》）
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